30.09.2007
LA CORRESPONDANCE TCHEKHOV-GORKI
Deux géants de la littérature russe à découvrir, dans une mise en scène de Gisèle Sallin, avec Xavier Deniau et Olivier Havran, au Théâtre des Osses de Fribourg en Suisse, du 27 septembre au 14 octobre 2007...
« Je voudrais vous déclarer l'amour ardent et sincère que je nourris dévotieusement pour vous depuis l'enfance » : première lettre de Gorki à Tchekhov, première lettre d'une correspondance qui dura cinq ans (de 1898 à 1903). Porté par un duo d'acteurs, cet échange épistolaire ravive les univers passionnés de Gorki, le cadet de huit ans, et de Tchekhov, «le maître». "A vous je ne parle pas seulement parce que je vous aime, mais aussi parce que je sais que vous êtes un homme à qui il suffit d'un mot pour former une image, des phrases, et écrire un conte merveilleux qui fouille les profondeurs et l'essence de la vie", Lettre de Gorki à Tchekhov.
"En novembre prochain, Gisèle Sallin, directrice du Théâtre des Osses, à Fribourg, montrera Les Bas-Fonds de Maxime Gorki. Pour entrer dans l'univers de cet auteur russe ulcéré par le triste sort des déclassés, elle plonge déjà dans la correspondance qu'il a entretenue de 1898 à 1903 avec son confrère et maître Anton Tchekhov.
D'un côté, le bouillonnement d'une âme passionnée par les causes sociales, de l'autre, l'empathie d'un auteur attentif aux plus faibles et aux impasses existentielles. Xavier Deniau et Olivier Havran incarnent ces deux géants de la littérature russe, dont le plus jeune dit à son modèle « Vous êtes un homme à qui il suffit d'un mot pour former une image et écrire un conte merveilleux qui fouille les profondeurs et l'essence de la vie. »
Sources : Le Temps de Genève, samedi 29 septembre 2007, par Marie-Pierre Genecand, et le site internet du Théâtre des Osses.
« Je voudrais vous déclarer l'amour ardent et sincère que je nourris dévotieusement pour vous depuis l'enfance » : première lettre de Gorki à Tchekhov, première lettre d'une correspondance qui dura cinq ans (de 1898 à 1903). Porté par un duo d'acteurs, cet échange épistolaire ravive les univers passionnés de Gorki, le cadet de huit ans, et de Tchekhov, «le maître». "A vous je ne parle pas seulement parce que je vous aime, mais aussi parce que je sais que vous êtes un homme à qui il suffit d'un mot pour former une image, des phrases, et écrire un conte merveilleux qui fouille les profondeurs et l'essence de la vie", Lettre de Gorki à Tchekhov.
"En novembre prochain, Gisèle Sallin, directrice du Théâtre des Osses, à Fribourg, montrera Les Bas-Fonds de Maxime Gorki. Pour entrer dans l'univers de cet auteur russe ulcéré par le triste sort des déclassés, elle plonge déjà dans la correspondance qu'il a entretenue de 1898 à 1903 avec son confrère et maître Anton Tchekhov.
D'un côté, le bouillonnement d'une âme passionnée par les causes sociales, de l'autre, l'empathie d'un auteur attentif aux plus faibles et aux impasses existentielles. Xavier Deniau et Olivier Havran incarnent ces deux géants de la littérature russe, dont le plus jeune dit à son modèle « Vous êtes un homme à qui il suffit d'un mot pour former une image et écrire un conte merveilleux qui fouille les profondeurs et l'essence de la vie. »
Sources : Le Temps de Genève, samedi 29 septembre 2007, par Marie-Pierre Genecand, et le site internet du Théâtre des Osses.
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09.09.2007
L'Ours au Théâtre du Lucernaire jusqu'au 15 septembre 2007
L'Ours, précédé de "Une demande en mariage" et "Tragédien malgré lui" de Tchékhov, dans une mise en scène de Christian Huitorel, avec Mathias Casartelli, Cie Appellation Théâtre Contrôlée, Michaël Hallouin, Christian Huitorel, Céline Mauge, Nathalie Veneau, au Théâtre du Lucernaire, du 9 juin au 15 septembre 2007
Ce sont trois histoires qui décortiquent ce qu'est ce merveilleux projet : le couple. C'est on ne peut plus réjouissant, féroce et moderne...
Anton Tchekhov, médecin et écrivain russe, observateur hors pair de ses contemporains déclara : "je ne souhaitais que dire honnêtement aux gens : regardez-vous, voyez quelle existence absurde et ennuyeuse vous menez ! Est-ce là-dessus qu'on pleure ?".
C'est bien ce Tchekhov là qui propose trois pièces en un acte (des "plaisanteries" comme il les appelait lui-même) écrites, entre 1888 et 1889. "Une demande en mariage", "Tragédien malgré lui" et "L'Ours" sont de vrais joyaux ciselés avec génie et un art consommé du vaudeville et des situations comiques. Trois histoires qui décortiquent ce qu'est ce merveilleux projet : le couple. Le comédien qui joue le prétendant d'"Une demande en mariage" est celui que l'on retrouve malheureux en ménage dans "Tragédien malgré lui". Il s'y confie alors à son ami peu enclin à la compassion que l'on retrouve piégé par l'amour dans "L'Ours". Esquisse de "ronde" entraînée par une musique originale aux accents répétitifs. La représentation de L'Ours est précédée d'"Une demande en mariage" et de "Tragédien malgré lui".
© Cityvox
Théâtre du Lucernaire
53, Rue Notre-Dame des Champs
75006 Paris Plan d'accès
Tel : 01 42 22 26 50 (administration)
Réservations : 01 45 44 57 34
Fax : 01 45 44 86 92
Anton Tchekhov, médecin et écrivain russe, observateur hors pair de ses contemporains déclara : "je ne souhaitais que dire honnêtement aux gens : regardez-vous, voyez quelle existence absurde et ennuyeuse vous menez ! Est-ce là-dessus qu'on pleure ?".
C'est bien ce Tchekhov là qui propose trois pièces en un acte (des "plaisanteries" comme il les appelait lui-même) écrites, entre 1888 et 1889. "Une demande en mariage", "Tragédien malgré lui" et "L'Ours" sont de vrais joyaux ciselés avec génie et un art consommé du vaudeville et des situations comiques. Trois histoires qui décortiquent ce qu'est ce merveilleux projet : le couple. Le comédien qui joue le prétendant d'"Une demande en mariage" est celui que l'on retrouve malheureux en ménage dans "Tragédien malgré lui". Il s'y confie alors à son ami peu enclin à la compassion que l'on retrouve piégé par l'amour dans "L'Ours". Esquisse de "ronde" entraînée par une musique originale aux accents répétitifs. La représentation de L'Ours est précédée d'"Une demande en mariage" et de "Tragédien malgré lui".
© Cityvox
Théâtre du Lucernaire
53, Rue Notre-Dame des Champs
75006 Paris Plan d'accès
Tel : 01 42 22 26 50 (administration)
Réservations : 01 45 44 57 34
Fax : 01 45 44 86 92
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06.05.2007
"Les trois soeurs" de Stéphane Braunschweig
Après La Cerisaie en 1992, puis la Mouette en 2001, Stéphane Braunschweig vient de mettre en scène « Les Trois sœurs » d'Anton Tchékhov, une création du Théâtre National de Strasbourg (TNS), qui était à l'affiche jusqu'au 12 avril 2007, actuellement en tournée au TNP à Villeurbanne du 19 au 27 avril, puis au Centre dramatique de Lorraine à Thionville les 10 et 11 mai, et au Théâtre de la Colline à Paris du 22 mai au 23 juin 2007.Le directeur du TNS ne se proposait pas de reconstituer la forme naturaliste présentée lors de la création de cette avant dernière pièce de Tchékhov, par Constantin Stanislavski, au Théâtre d’Art de Moscou en 1901, ou celle plus récente de Peter Stein en 1988. Animé par le désir de faire surgir de nouvelles approches, il a préféré révéler la signification moderne du texte, à travers l’exploration de ses sens cachés. Mais il s’évertue aussi, dans le même temps, par fidélité à un auteur qu’il juge essentiel, à respecter parfaitement l’intégrité d’une œuvre reflétant sur certains points la couleur d’une époque disparue, et la plupart des didascalies, comme s’il s’agissait d’une partition de musique.
A la recherche des évocations modernes d’une ancienne partition de musique
La scénographie lui a offert la possibilité d’osciller entre ces deux exigences contradictoires. Le décor abstrait de la Mouette, qu’il avait conçu en 2001, fait ici place à la juxtaposition d’éléments classiques et modernes, soigneusement partagés grâce à des jeux d’ombres et surtout de lumières.
On sait que l’histoire se déroule en quatre tableaux, sur quelques brèves années. D’abord une salle à manger russe début de siècle d’une maison bourgeoise de province, éclairée par le soleil de midi, laquelle constitue un second espace de jeu, par delà l’immensité d’un avant-plan presque vide et blanc. La scène s’épure et s’assombrit ensuite sous la neige au dehors, en conservant ces deux éléments, inversés. Avant de se restreindre au cœur d’une nuit d’incendie, sous la forme d’une chambre à deux lits. Et de réapparaître, en tous ces éléments, comme une mosaïque démultipliant les séquences, qui serait chère au cinéaste Cédric Klapisch.
Sans crainte d’anachronismes, Stéphane Braunschweig accentue cette dualité classique et moderne en jouant avec les costumes des personnages. Les militaires conservent leurs uniformes vert olive et leurs galons dorés de l’armée tsariste tout au long de la pièce. Tandis que les trois jeunes sœurs abandonnent progressivement, dès le deuxième acte, leurs belles robes longues de la mode belle époque, pour revêtir des jupes, des pantalons, des chaussures et des bottes d’aujourd’hui. Ces parures se font écho grâce à une relative permanence des couleurs, le blanc, le bleu et le noir : une photo du dernier acte ci-après...
Ces différents niveaux de représentation accentuent la profondeur et la philosophie du texte et imposent une attention soutenue aux spectateurs. Mais la magie et les couleurs suscitées par l’extrême élégance du jeu des acteurs rendent cet effort et ce voyage particulièrement agréable. Tous mériteraient d’être cités, tant ils paraissent si justes : la vieille nourrice Anfissa (Hélène Schwaller) et le gardin Séraponte, presque sourd (Jean-Pierre Bagot), seuls représentants de la classe populaire, les cinq militaires, le commandant de batterie Verchinine (Laurent Manzoni) et le vieux médecin Tcheboutykine surtout (Gilles David, prodigieux, qui avait joué un autre rôle dans cette même pièce au festival d’Avignon en 1988, mise en scène par Maurice Bénichou), Andreï, le frère finalement méprisé (Sharif Andoura), Natacha devenue son épouse (Maud le Grévellec, déjà remarquée lorsqu’elle jouait Nina dans La Mouette, et qui révèle également ici, ponctuellement, ses talents de pianiste), et puis le professeur de Lycée (Thierry Paret). Cette mini société un peu particulière gravite autour de la constellation des trois sœurs, unies par des liens indissolubles, et pourtant si différentes : Olga, Bénédicte Cérutti, solitaire et contradictoire, aux longs cheveux auburn et au timbre de voix si profond, Macha, Pauline Lorillard, la brune, s’éloignant de son mari, mélange de douceur et de dureté, et Irina enfin, Cécile Coustillac, la blonde, si jeune, si fragile et si forte, femme encore proche de l’enfance, dont on perçoit l’évolution, comme directement surgie de l’imaginaire de Tchékhov.
La musique et le parcours implacable de l’histoire des trois premiers actes s’accélère dans la confusion, comme notre monde, au quatrième. Des évènements de dernière minute, trop rapides, associent ces militaires qui vont partir et tous ceux qui restent. En choisissant de faire tomber le rideau noir de la scène devant les trois sœurs, jamais montrées si proches, juste avant les dernières notes, Stéphane Braunschweig recentre brutalement les spectateurs un peu perdus. Et les formules impersonnelles et intemporelles de Tchékhov se mettent à vibrer dans le silence, comme s’il s’agissait de mots d’aujourd’hui.
Le charme et la poésie pour adoucir la noirceur d’une réalité indépassable
Les trois sœurs rêvent à ce Moscou d’où elles viennent, surtout Irina, la plus jeune. Mais elles n’y retourneront jamais. Ce moment mythique s’est irrémédiablement effacé de leur réalité. Pourquoi, alors qu’elles sont encore si jeunes ? Le sentiment que le temps des jours heureux est passé et ne peut revenir peut-il s’imposer lorsque l’on a 20 ou 30 ans, la grâce et tout l’avenir devant soit ? En faisant jouer de toutes jeunes femmes qui ont l’âge de ces rôles, Stéphane Braunschweig renforce avec une acuité toute singulière l’angoisse effleurée par Tchékhov (photo). Ne pouvoir y retourner, c’est révéler leur incapacité à revivre. Vivre, c’est savoir s’extraire de l’univers dans lequel on s’est psychologiquement enfermé. Se faire violence à en sortir, sans s’illusionner, tout en sachant que le temps, inexorablement, chasse les virtualités du passé, restreint sans cesse le champ des possibles, et nous rapproche de ce rendez-vous que nous avons tous avec la mort.L’écriture très subtile de Tchékhov, mise en lumière par cette mise en scène à plusieurs registres, nous confronte à la froideur de ces certitudes indépassables. En les mélangeant aux sonorités protéiformes de sa poésie des mots et au charme des couleurs dessinées par chacune des jeunes actrices de Braunschweig, le metteur en scène nous plonge dans une alchimie insaisissable. Comme s’il ne restait que la réalité virtuelle de l’art pour nous aider à transfigurer et adoucir la vie.
Bernard Even
Article mis en ligne par le site rue-du-theatre le 2 avril 2007.
© www.ruedutheatre.info - Tous droits réservés
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Stéphane BRAUNSCHWEIG a dévoilé quelques aspects de cette nouvelle mise en scène et de ses conceptions sur cet auteur, dans le cadre d’une conférence de presse organisée le 20 février 2007, alors que les répétitions de la pièce, à l’affiche du Théâtre National de Strasbourg (TNS) depuis le 10 mars 2007, n'étaient pas encore totalement achevées.
Il précise que si Ibsen (Brand, en 2005) l’a ouvert sur Pirandello (Vêtir ceux qui sont nus, en 2006), ce choix des Trois sœurs n’est pas immédiatement lié à sa dernière création. Anton Tchékhov, l'auteur de cette pièce, revient fréquemment dans son parcours. Il rappelle qu’il a mis en scène la Cerisaie en 1992 (Orléans, Gennevilliers / Festival d’automne, puis tournées en France et à Moscou), un spectacle très important pour lui rappelle-t-il, « Plaisanterie en un acte » en 2000, et la Mouette, en 2001 (au TNS). Ses conceptions sur cet auteur évoluent : « Je le laisse, et puis j’ai besoin d’y revenir. C’est un auteur qui m’accompagne, dont je me sens proche. »
L’expression d’un profond désir de distribution…
Stéphane BRAUNSCHWEIG estime qu’il faut disposer des bons acteurs pour monter Tchékhov. Il se souvient que La Mouette, c’était particulièrement juste avec Maud Le Grévellec. Et le choix des Trois sœurs est également lié à un désir de distribution : pour faire jouer ensemble Bénédicte Cérutti (Olga), Cécile Coustillac (Irina), et Pauline Lorillard (Macha).
Avec ces toutes jeunes femmes, on privilégie une vision différente de l’approche traditionnelle. Cette pièce difficile est en effet souvent mise en scène avec des actrices d’expérience, qui sont au milieu de leur vie, trop âgées pour les rôles. On déplace ainsi la problématique, le sens voulu par Tchékhov, qui indique pourtant que ce sont de toutes jeunes femmes. Olga a 28 ans ; à l’époque de la rédaction de la pièce, en 1901, sa possibilité de se marier est déjà passée. Mais ses deux sœurs n’ont quant à elles que 19 et 20 ans au début de l’histoire. Cinq ans plus tard, à la fin, ce n’est d’ailleurs pas évident de le savoir, Irina et Macha ont 25 ou 26 ans. Elles ont la vie devant elles, et s’inquiètent de leur avenir. Cette pièce permet de parler de cette jeunesse et de faire écho avec celle d’aujourd’hui.
Essayer de parler de notre présent à travers celui de Tchékhov
La Mouette ou la Cerisaie recèlent une dimension métaphorique et allégorique, immédiatement transposable dans le présent. La Mouette, par exemple, présente un rapport de sublimation avec l’art, qui se retrouve aisément de nos jours. Et Stéphane BRAUNSCHWEIG précise qu’il ne s’est donc pas posé la question de la contemporanéité lorsqu’il a monté cette pièce. Avec le texte des Trois sœurs, plus romanesque, plus en prise avec son temps, il reconnaît qu’il a eu plus de mal à trouver la dimension métaphorique. La tonalité de l’époque y est très présente : l’un des personnages, Verchinine, déclare que la vie sera meilleure dans 200 ou 300 ans. Cela serait difficile à dire aujourd’hui observe le metteur en scène.
Stéphane BRAUNSCHWEIG a voulu travailler sur cet écart à travers la scénographie. Au début de la pièce tous les personnages sont en costume d’époque, comme si l’on jouait en 1901. C’est alors une pièce d’actualité. Tchékhov ne raconte pas le passé. Il a toujours la volonté d’écrire sur son présent, comme lorsqu’il décrivait la vie des prisonniers de l’île de Sakhaline. Mais très vite, la scène est envahie par des costumes d’aujourd’hui, et petit à petit, la pièce devient de plus en plus contemporaine. Les paroles restent marquées par leur temps, certes. Il faut que le spectateur puisse travailler sur ces écarts d’époque.
En 1901, en Russie, on sent que cela ne va pas, que le monde ne va pas continuer ainsi. La société aristocratique se délite : nous ne pourrons plus continuer à vivre de nos rentes, dit-on. D’ailleurs, quatre ans plus tard, c’est la première révolution de 1905… Il faut que quelque chose change. Mais on ne sait pas trop comment, ni vers quelle direction ? C’est un monde sur lequel pèse la nécessité du changement, et une incertitude sur ce que ce changement peut être. Et tout cela suscite une angoisse et une frustration. Actuellement aussi, on se dit parfois que le monde ne peut pas continuer comme cela.
C’est avec cette ambiance qu’il faut regarder les personnages. On dit fréquemment que Tchékhov ne les juge pas. Mais il y a un malentendu avec cette affirmation. Tchékhov n’excuse jamais personne et ose montrer la petitesse, la mesquinerie, l’égoïsme. Il est très dur avec son temps, avec l’intelligentsia. Si vous voulez que l’homme devienne meilleur, commencez par lui dire comment il est. Le théâtre, la littérature permettent de le faire progresser. L’objectivité de Tchékhov n’est pas compassionnelle. Il n’y a pas que de la sentimentalité en lui. Il faut pouvoir rire, se moquer. Tchékhov n’est pas un tendre, même s’il y a aussi parfois, souvent, de la tendresse en lui. Ce sont ses propres contradictions, ses questionnements sur lui même, qu’il met en scène. Il ne faut pas décrédibiliser la parole des personnages sous prétexte qu’ils sont médiocres.
Tchékhov met beaucoup de lui même dans ses textes. Il se reproche sa paresse, un paradoxe lorsque l’on sait qu’il travaillait beaucoup, tout le temps. Il est torturé par des questions, par des scrupules. Il est faux de considérer que Tchékhov s’allanguit avec ses personnages de théâtre. Il écrit dans le même temps des nouvelles. Peu de gens les lisent. C’est dommage. On voit dans ces récits qu’il ne s’intéresse pas uniquement à l’intelligentsia, mais également aux gens du peuple.
Une scénographie plus réaliste que dans celle de La Mouette
Dans La Mouette, la scénographie était assez abstraite : des panneaux blancs, des escaliers, un contraste entre les costumes et le décor, et des meubles dans le dernier acte. Dans les Trois sœurs, il y a beaucoup plus d’éléments réalistes. Nous avons reconstitué une salle à manger, avec une verrière, au sein d’un dispositif abstrait. C’est comme si l’on jouait dans un musée, pour tendre le réalisme d’époque et le vide contemporain. Mais Stéphane BRAUNSCHWEIG refuse de tout expliquer et ajoute, de manière un peu énigmatique, qu’il y a aussi des surprises…
Très peu de sons, et de la musique uniquement lorsque Tchékhov en demande
Il y avait beaucoup de musique dans la mise en scène de la Cerisaie, à travers la présence d’un musicien sur scène. Stéphane BRAUNSCHWEIG se rappelle qu’il n’y en avait pas du tout dans La Mouette. Et il insiste sur le fait qu’il y a très peu de sons dans Les trois soeurs. Car la musique a toujours tendance à remplir quelque chose. Or avec Tchékhov les personnages sont souvent au bord du vide. Et il ne faut pas avoir peur de ce vide, c’est à dire du silence. Il faut se rappeler que Tchékhov critiquait les bruitages que voulait introduire Stanislavski.
Stéphane BRAUNSCHWEIG précise qu’il a pris la pièce comme une partition de musique, en respectant le plus possible toutes les indications qui lui étaient données par le texte. Il n’a donc mis que ce qui est nécessaire, lorsque Tchékhov le demande, la sonnerie d’une pendule, et quelques rares musiques, au début du 2e acte, avec cet accordéon au dehors, et à la fin de la pièce, cette marche militaire du régiment qui s’en va…
BE
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Les Trois Soeurs, d'Anton Tchekhov,
Traduit du russe par André Markowicz et Françoise Morvan.
Mise en scène et scénographie : Stéphane Braunschweig
Costumes : Thibault Vancraenenbroeck
Lumières : Marion Hewlett
Collaboration artistique : Anne-Françoise Benhamou
Son : Xavier Jacquot
Assistant(e) à la scénographie : Alexandre De Dardel
Assistant(e) à la mise en scène : Leslie Six
Avec : Sharif Andoura, Jean-Pierre Bagot, Bénédicte Cerutti, Cécile Coustillac, Gilles David, Maud Le Grévellec, Pauline Lorillard, Laurent Manzoni, Antoine Mathieu, Thierry Paret, Hélène Schwaller, Grégoire Tachnakian, Manuel Vallade
Au Théâtre national de Strasbourg, jusqu'au 12 avril (TNS - 1, avenue de la Marseillaise - Tél. : 03-88-24-88-24 - site internet), puis au TNP de Villeurbanne du 19 au 27 avril, au Centre dramatique de Lorraine à Thionville les 10 et 11 mai, et au Théâtre national de la Colline à Paris, du 22 mai au 23 juin 2007.
Il précise que si Ibsen (Brand, en 2005) l’a ouvert sur Pirandello (Vêtir ceux qui sont nus, en 2006), ce choix des Trois sœurs n’est pas immédiatement lié à sa dernière création. Anton Tchékhov, l'auteur de cette pièce, revient fréquemment dans son parcours. Il rappelle qu’il a mis en scène la Cerisaie en 1992 (Orléans, Gennevilliers / Festival d’automne, puis tournées en France et à Moscou), un spectacle très important pour lui rappelle-t-il, « Plaisanterie en un acte » en 2000, et la Mouette, en 2001 (au TNS). Ses conceptions sur cet auteur évoluent : « Je le laisse, et puis j’ai besoin d’y revenir. C’est un auteur qui m’accompagne, dont je me sens proche. »
L’expression d’un profond désir de distribution…
Stéphane BRAUNSCHWEIG estime qu’il faut disposer des bons acteurs pour monter Tchékhov. Il se souvient que La Mouette, c’était particulièrement juste avec Maud Le Grévellec. Et le choix des Trois sœurs est également lié à un désir de distribution : pour faire jouer ensemble Bénédicte Cérutti (Olga), Cécile Coustillac (Irina), et Pauline Lorillard (Macha).
Avec ces toutes jeunes femmes, on privilégie une vision différente de l’approche traditionnelle. Cette pièce difficile est en effet souvent mise en scène avec des actrices d’expérience, qui sont au milieu de leur vie, trop âgées pour les rôles. On déplace ainsi la problématique, le sens voulu par Tchékhov, qui indique pourtant que ce sont de toutes jeunes femmes. Olga a 28 ans ; à l’époque de la rédaction de la pièce, en 1901, sa possibilité de se marier est déjà passée. Mais ses deux sœurs n’ont quant à elles que 19 et 20 ans au début de l’histoire. Cinq ans plus tard, à la fin, ce n’est d’ailleurs pas évident de le savoir, Irina et Macha ont 25 ou 26 ans. Elles ont la vie devant elles, et s’inquiètent de leur avenir. Cette pièce permet de parler de cette jeunesse et de faire écho avec celle d’aujourd’hui.
Essayer de parler de notre présent à travers celui de Tchékhov
La Mouette ou la Cerisaie recèlent une dimension métaphorique et allégorique, immédiatement transposable dans le présent. La Mouette, par exemple, présente un rapport de sublimation avec l’art, qui se retrouve aisément de nos jours. Et Stéphane BRAUNSCHWEIG précise qu’il ne s’est donc pas posé la question de la contemporanéité lorsqu’il a monté cette pièce. Avec le texte des Trois sœurs, plus romanesque, plus en prise avec son temps, il reconnaît qu’il a eu plus de mal à trouver la dimension métaphorique. La tonalité de l’époque y est très présente : l’un des personnages, Verchinine, déclare que la vie sera meilleure dans 200 ou 300 ans. Cela serait difficile à dire aujourd’hui observe le metteur en scène.
Stéphane BRAUNSCHWEIG a voulu travailler sur cet écart à travers la scénographie. Au début de la pièce tous les personnages sont en costume d’époque, comme si l’on jouait en 1901. C’est alors une pièce d’actualité. Tchékhov ne raconte pas le passé. Il a toujours la volonté d’écrire sur son présent, comme lorsqu’il décrivait la vie des prisonniers de l’île de Sakhaline. Mais très vite, la scène est envahie par des costumes d’aujourd’hui, et petit à petit, la pièce devient de plus en plus contemporaine. Les paroles restent marquées par leur temps, certes. Il faut que le spectateur puisse travailler sur ces écarts d’époque.
En 1901, en Russie, on sent que cela ne va pas, que le monde ne va pas continuer ainsi. La société aristocratique se délite : nous ne pourrons plus continuer à vivre de nos rentes, dit-on. D’ailleurs, quatre ans plus tard, c’est la première révolution de 1905… Il faut que quelque chose change. Mais on ne sait pas trop comment, ni vers quelle direction ? C’est un monde sur lequel pèse la nécessité du changement, et une incertitude sur ce que ce changement peut être. Et tout cela suscite une angoisse et une frustration. Actuellement aussi, on se dit parfois que le monde ne peut pas continuer comme cela.
C’est avec cette ambiance qu’il faut regarder les personnages. On dit fréquemment que Tchékhov ne les juge pas. Mais il y a un malentendu avec cette affirmation. Tchékhov n’excuse jamais personne et ose montrer la petitesse, la mesquinerie, l’égoïsme. Il est très dur avec son temps, avec l’intelligentsia. Si vous voulez que l’homme devienne meilleur, commencez par lui dire comment il est. Le théâtre, la littérature permettent de le faire progresser. L’objectivité de Tchékhov n’est pas compassionnelle. Il n’y a pas que de la sentimentalité en lui. Il faut pouvoir rire, se moquer. Tchékhov n’est pas un tendre, même s’il y a aussi parfois, souvent, de la tendresse en lui. Ce sont ses propres contradictions, ses questionnements sur lui même, qu’il met en scène. Il ne faut pas décrédibiliser la parole des personnages sous prétexte qu’ils sont médiocres.
Tchékhov met beaucoup de lui même dans ses textes. Il se reproche sa paresse, un paradoxe lorsque l’on sait qu’il travaillait beaucoup, tout le temps. Il est torturé par des questions, par des scrupules. Il est faux de considérer que Tchékhov s’allanguit avec ses personnages de théâtre. Il écrit dans le même temps des nouvelles. Peu de gens les lisent. C’est dommage. On voit dans ces récits qu’il ne s’intéresse pas uniquement à l’intelligentsia, mais également aux gens du peuple.
Une scénographie plus réaliste que dans celle de La Mouette
Dans La Mouette, la scénographie était assez abstraite : des panneaux blancs, des escaliers, un contraste entre les costumes et le décor, et des meubles dans le dernier acte. Dans les Trois sœurs, il y a beaucoup plus d’éléments réalistes. Nous avons reconstitué une salle à manger, avec une verrière, au sein d’un dispositif abstrait. C’est comme si l’on jouait dans un musée, pour tendre le réalisme d’époque et le vide contemporain. Mais Stéphane BRAUNSCHWEIG refuse de tout expliquer et ajoute, de manière un peu énigmatique, qu’il y a aussi des surprises…
Très peu de sons, et de la musique uniquement lorsque Tchékhov en demande
Il y avait beaucoup de musique dans la mise en scène de la Cerisaie, à travers la présence d’un musicien sur scène. Stéphane BRAUNSCHWEIG se rappelle qu’il n’y en avait pas du tout dans La Mouette. Et il insiste sur le fait qu’il y a très peu de sons dans Les trois soeurs. Car la musique a toujours tendance à remplir quelque chose. Or avec Tchékhov les personnages sont souvent au bord du vide. Et il ne faut pas avoir peur de ce vide, c’est à dire du silence. Il faut se rappeler que Tchékhov critiquait les bruitages que voulait introduire Stanislavski.
Stéphane BRAUNSCHWEIG précise qu’il a pris la pièce comme une partition de musique, en respectant le plus possible toutes les indications qui lui étaient données par le texte. Il n’a donc mis que ce qui est nécessaire, lorsque Tchékhov le demande, la sonnerie d’une pendule, et quelques rares musiques, au début du 2e acte, avec cet accordéon au dehors, et à la fin de la pièce, cette marche militaire du régiment qui s’en va…
BE
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Les Trois Soeurs, d'Anton Tchekhov,
Traduit du russe par André Markowicz et Françoise Morvan.
Mise en scène et scénographie : Stéphane Braunschweig
Costumes : Thibault Vancraenenbroeck
Lumières : Marion Hewlett
Collaboration artistique : Anne-Françoise Benhamou
Son : Xavier Jacquot
Assistant(e) à la scénographie : Alexandre De Dardel
Assistant(e) à la mise en scène : Leslie Six
Avec : Sharif Andoura, Jean-Pierre Bagot, Bénédicte Cerutti, Cécile Coustillac, Gilles David, Maud Le Grévellec, Pauline Lorillard, Laurent Manzoni, Antoine Mathieu, Thierry Paret, Hélène Schwaller, Grégoire Tachnakian, Manuel Vallade
Au Théâtre national de Strasbourg, jusqu'au 12 avril (TNS - 1, avenue de la Marseillaise - Tél. : 03-88-24-88-24 - site internet), puis au TNP de Villeurbanne du 19 au 27 avril, au Centre dramatique de Lorraine à Thionville les 10 et 11 mai, et au Théâtre national de la Colline à Paris, du 22 mai au 23 juin 2007.
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"L'île de Sakhaline" de Anton Tchekhov
Décidé à mener une enquête sur ce lieu maudit voué au bagne et à la déportation, il se met en route dans des conditions folles. Il n'a aucun papier officiel, ni ordre de mission, ni même une lettre de recommandation. Après deux mois et demi d'un voyage exténuant, il risque de se voir prier de retourner d'où il est venu. Il affronte le froid, la pluie, les inondations, puis la chaleur, la poussière, les incendies de forêts.
La préface de Roger Grenier, pp. 12-13 : "Voici donc Tchekhov à l'île de Sakhaline, au large de la Sibérie : « Tout autour la mer, au milieu l'enfer. » Le climat se caractérise par une humidité épouvantable, très mauvaise pour les phtisiques comme lui. Il trouve à se loger chez un paysan proscrit, puis chez un médecin qui ressemble à Ibsen, paraît modeste et bon, mais passe son temps à écrire des lettres de dénonciation. Ce bon docteur est en conflit avec les autorités de l'île. Le général V.O. Kononovitch, Commandant de l'île, dira au visiteur : « Je suis content que vous soyez installé chez notre ennemi. Vous connaîtrez nos points faibles. » [...]
L'île de Sakhaline, trad. et notes de Lily Denis, préface de Roger Grenier, Gallimard, Paris, 2001, 568 p.
"Fruit [d'un] « voyage qui n'a rien à voir avec les belles-lettres », L'île de Sakhaline est une oeuvre longuement et soigneusement travaillée [...] Univers de pure souffrance, au-delà du langage, Sakhaline est une totale profanation de la vie, la dissolution de l'horreur dans le quotidien. Tchekhov, qui n'écrira plus sur Sakhaline et n'en parlera même que rarement, avouera un jour que toute son oeuvre depuis ce voyage est « ensakhalinée. » Jean Bonamour, Le Magazine littéraire, mai 1992
Complément bibliographique :
Œuvres complètes, vol. 21 : « L'île de Sakhaline » trad.du russe par Lily Denis, Paris : Les Éditeurs français réunis, 1971
« L'île de Sakhaline » trad. du russe par Lily Denis, préf. par Sophie Lazarus, Grenoble : Cent pages, 1995
« Voyage à Sakhaline : 1890-1891, lettres d'hier et d'aujourd'hui » trad. du russe, notes et index par Anna Christophoroff, Lectoure : Le Capucin, 2005
17:02 Publié dans 3. Essai : voyage à Sakhaline | Lien permanent | Commentaires (0) | Envoyer cette note
Anton Tchekhov par Bernd SUCHER
Les passions de Bernd SUCHER, "Anton Tchekhov : le sourire sous les larmes ...", aux Ateliers Berthier (Théâtre de l'Odéon), le 4 mars 2006, dans une traduction française de Nicole Taubes, avec Astrid Bas et Hervé Briaux
Bernd SUCHER est le critique théâtral allemand de la Süddeutsche Zeitung. Il proposa en 1999 à deux acteurs du Residenztheater de Munich une expérience inédite: présenter à ses côtés sa vision personnelle d’un auteur, dans un cadre tenant à la fois de la conférence et de la lecture mise en espace.
Le succès remporté par la première séance leur valut des invitations dans différents théâtres d'Allemagne, d'Autriche, de Suisse, et persuada Bernd Sucher qu’il valait la peine de poursuivre l’entreprise.
Au fil des années, « Les Passions de Bernd Sucher » sont donc devenues une sorte de feuilleton non dénué d'humour, au cours duquel le critique se risque à son tour devant le public pour lui proposer, selon son bon plaisir, ses portraits d’écrivains du XIXème et du XXème siècles, connus et moins connus, européens ou non.
Il est ainsi venu pour la première fois aux Ateliers Berthier à Paris en 2005 offrir, en langue française, dans une traduction de Nicole Staub, sa version personnelle de la vie et de l'oeuvre d'Henrik Ibsen, comme toujours flanqué de deux comédiens complices, en l’occurrence Astrid Bas et Hervé Briaux.
Dans le cadre des manifestations organisées autour de la pièce « Sur la grand'route » d'Anton Tchekhov, à l’affiche du 23 février au 25 mars 2006, dans une mise en scène de Bruno Boëglin, Bernd Sucher se produit à nouveau aux ateliers Berthier avec Astrid Bas et Hervé Briaux, le 4 mars 2006, pour présenter sa vision personnelle de la vie et l'oeuvre d'Anton Tchekhov.
«Tchekhov est à placer au même rang que Shakespeare», affirme Bernd Sucher. «Il décrit la vie même, qui s’explique aussi peu qu’on explique une carotte. Ses pièces sont des comédies sur la terrible dérision de l’existence. Sur le désir et la déception. Mais on méconnaîtrait Tchekhov si l’on passait à côté de la profonde humanité qui le distingue. Il était intègre et génial – rare conjonction.»
La comédienne Astrid Bas est ancienne élève du Conservatoire National Supérieur d'Art Dramatique (promotion 1996) et de l'Ecole du Théâtre National de Strasbourg (Jeune théâtre national 1998-1999). Elle a travaillé au Théâtre avec entre autres Alain Ollivier, Anatoli Vassilieff, Frédéric Fisbach, Yves Beaunesne. Elle jouait récemment en 2004-2005, dans la pièce « La Rose et la Hache », d’après Richard III de Shakeaspeare, mise en scène par Georges Lavaudant, et Ecrire/Roma mis en scène par Jean-Marie Patte. Elle a mis en scène en 2003 Matériau Platonov aux Ateliers Berthier.
Hervé Briaux, qui jouait le rôle de Gaston d’Orléans en 1992 dans le film « Louis, enfant Roi » réalisé par Roger PLANCHON, sera à l’affiche des Ateliers Berthier du 4 au 20 mai 2006, dans une mise en scène théâtrale d’un roman de Thomas Bernhard, "Des arbres à abattre" , réalisée par Patrick PINEAU.
Nicole Taubes est née à Paris où elle obtient tout d'abord une licence de biologie à la Sorbonne. Désirant s'imprégner de la langue et de l'histoire allemandes, elle postule et obtient (1962) un poste de " Diplomantin " à l'Institut für Allgemeine Biologie, à Berlin-Est. Elle restera 12 ans dans cette ville, mais changera de profession et trouvera très vite son "véritable but, la destination secrète de son voyage" comme elle le dit elle-même, i.e. la traduction. D'abord la traduction technique, ou généraliste, mais depuis 1992, membre de l'Association des Traducteurs Littéraires de France, Nicole Taubes se consacre entièrement à la traduction littéraire et obtient en 1998 le prestigieux Prix Gérard de Nerval de la traduction, décerné par la Société des Gens de Lettres à l'occasion de la parution de sa traduction chez José Corti de La Nef des fous de Sébastien Brant, ouvrage qui connaît en 2004 sa 2e édition.
Irène Weber-Henking
Les deux traductions des lectures de Bernd Sucher réalisées par Nicole TAUBES : « Les Passions de Bernd Sucher : Henrik Ibsen » et « Bernd Sucher, Tchekhov et passions : le sourire sous les larmes ».
Une biographie de Tchekhov et la chronologie de sa vie.
Une critique de cette lecture de Bernd Sucher sera prochainement ajoutée à ce texte...
Bernd SUCHER est le critique théâtral allemand de la Süddeutsche Zeitung. Il proposa en 1999 à deux acteurs du Residenztheater de Munich une expérience inédite: présenter à ses côtés sa vision personnelle d’un auteur, dans un cadre tenant à la fois de la conférence et de la lecture mise en espace. Le succès remporté par la première séance leur valut des invitations dans différents théâtres d'Allemagne, d'Autriche, de Suisse, et persuada Bernd Sucher qu’il valait la peine de poursuivre l’entreprise.
Au fil des années, « Les Passions de Bernd Sucher » sont donc devenues une sorte de feuilleton non dénué d'humour, au cours duquel le critique se risque à son tour devant le public pour lui proposer, selon son bon plaisir, ses portraits d’écrivains du XIXème et du XXème siècles, connus et moins connus, européens ou non.
Il est ainsi venu pour la première fois aux Ateliers Berthier à Paris en 2005 offrir, en langue française, dans une traduction de Nicole Staub, sa version personnelle de la vie et de l'oeuvre d'Henrik Ibsen, comme toujours flanqué de deux comédiens complices, en l’occurrence Astrid Bas et Hervé Briaux.
Dans le cadre des manifestations organisées autour de la pièce « Sur la grand'route » d'Anton Tchekhov, à l’affiche du 23 février au 25 mars 2006, dans une mise en scène de Bruno Boëglin, Bernd Sucher se produit à nouveau aux ateliers Berthier avec Astrid Bas et Hervé Briaux, le 4 mars 2006, pour présenter sa vision personnelle de la vie et l'oeuvre d'Anton Tchekhov.
«Tchekhov est à placer au même rang que Shakespeare», affirme Bernd Sucher. «Il décrit la vie même, qui s’explique aussi peu qu’on explique une carotte. Ses pièces sont des comédies sur la terrible dérision de l’existence. Sur le désir et la déception. Mais on méconnaîtrait Tchekhov si l’on passait à côté de la profonde humanité qui le distingue. Il était intègre et génial – rare conjonction.»
La comédienne Astrid Bas est ancienne élève du Conservatoire National Supérieur d'Art Dramatique (promotion 1996) et de l'Ecole du Théâtre National de Strasbourg (Jeune théâtre national 1998-1999). Elle a travaillé au Théâtre avec entre autres Alain Ollivier, Anatoli Vassilieff, Frédéric Fisbach, Yves Beaunesne. Elle jouait récemment en 2004-2005, dans la pièce « La Rose et la Hache », d’après Richard III de Shakeaspeare, mise en scène par Georges Lavaudant, et Ecrire/Roma mis en scène par Jean-Marie Patte. Elle a mis en scène en 2003 Matériau Platonov aux Ateliers Berthier.
Hervé Briaux, qui jouait le rôle de Gaston d’Orléans en 1992 dans le film « Louis, enfant Roi » réalisé par Roger PLANCHON, sera à l’affiche des Ateliers Berthier du 4 au 20 mai 2006, dans une mise en scène théâtrale d’un roman de Thomas Bernhard, "Des arbres à abattre" , réalisée par Patrick PINEAU.
Nicole Taubes est née à Paris où elle obtient tout d'abord une licence de biologie à la Sorbonne. Désirant s'imprégner de la langue et de l'histoire allemandes, elle postule et obtient (1962) un poste de " Diplomantin " à l'Institut für Allgemeine Biologie, à Berlin-Est. Elle restera 12 ans dans cette ville, mais changera de profession et trouvera très vite son "véritable but, la destination secrète de son voyage" comme elle le dit elle-même, i.e. la traduction. D'abord la traduction technique, ou généraliste, mais depuis 1992, membre de l'Association des Traducteurs Littéraires de France, Nicole Taubes se consacre entièrement à la traduction littéraire et obtient en 1998 le prestigieux Prix Gérard de Nerval de la traduction, décerné par la Société des Gens de Lettres à l'occasion de la parution de sa traduction chez José Corti de La Nef des fous de Sébastien Brant, ouvrage qui connaît en 2004 sa 2e édition.
Irène Weber-Henking
Les deux traductions des lectures de Bernd Sucher réalisées par Nicole TAUBES : « Les Passions de Bernd Sucher : Henrik Ibsen » et « Bernd Sucher, Tchekhov et passions : le sourire sous les larmes ».
Une biographie de Tchekhov et la chronologie de sa vie.
Une critique de cette lecture de Bernd Sucher sera prochainement ajoutée à ce texte...
15:57 Publié dans 1. Biographie : la vie de Tchékhov | Lien permanent | Commentaires (0) | Envoyer cette note
L'histoire des mises en scène des Trois soeurs
Depuis sa première représentation en janvier 1901 par la troupe du Théâtre d’art de Moscou (Московский Художественный Академический Театр, en russe, surnommé par ses initiales MKhAT), fondée en 1897 par Constantin Stanislavski et Vladimir Nemirovitch-Dantchenko, située sur l’avenue Tverskaïa, à quelques centaines de mètres de la place Rouge, la pièce « Les Trois Sœurs » d’Anton Tchékhov n’a cessé d’inspirer les plus grands metteurs en scène européens, ainsi que les troupes amateurs. Un bref parcours sur la toile permet d'en retrouver les traces, qui ne prétendent pas à l'exhaustivité...C'est en 1929 que cette pièce a été jouée pour la première fois en français, au Théâtre des Arts Mathurins à Paris, dans une adaptation très marquante de Pierre-Jean Jouve et Georges Pitoëff (1884-1939), qui joue lui-même le rôle de Tousenbach, tandis que son épouse Ludmilla, alors âgée de 34 ans, est Irina.
Photo de Constantin Stanislavski ci-contre...
La pièce est reprise au milieu des années 60 à l’initiative des soeurs Poliakoff, Odile Versois, Hélène Vallier et Marina Vlady, qui semblent jouer leur propre vie, au Théâtre Hébertot, dans une mise en scène d'André Barsacq, et connaît un très grand succès (entre octobre 1966 et juin 1967 ; leur sœur aînée Olga filme la dernière des deux cent cinquante représentations).
Elle figure 20 ans plus tard au programme du Festival d’Avignon, en 1988, dans une mise en scène de Maurice BENICHOU, avec Anne Alvaro (Olga), Christine Citti (Irina), Geneviève Mnich (Macha), Christine Murillo (Natacha), Niels Arestrup (Andreï)... Cette même année la pièce est montée par Peter Stein (photo) et présentée au Théâtre des Amandiers de Nanterre dans le cadre du Festival d'Automne.
Plus récemment, "Les trois soeurs" sont présentées lors de la saison 1998-1999 au Théâtre 95 à Cergy Pontoise, dans une mise en scène de Maria Zachenska, et en 1994 par Matthias Langhoff au Théâtre de la ville, tandis qu'Eric Lacascade en dégage des extraits, sous l'intitulé "Cercle de famille pour trois sœurs", en 2000. La même année, en décembre, Jean-Claude Fall et le Théâtre des treize vents - Centre Dramatique National de Montpellier Languedoc-Roussillon réalisent une mise en scène construite à partir d'une traduction spécialement réalisée à cette occasion. La préface, rédigée par Gérard Lieber, précise à propos du texte de Tchékhov que « La musicalité tient au rapport des phrases brèves et des quelques longues envolées, aux reprises, aux échos, aux suspensions, aux appels (...) Tout est précis, rien n’est tranché ; l’ironie et la compassion vont de pair » [extraits].
La troupe des Ours de compagnie joue la pièce au Théâtre Saint Léon à Paris dans le 15e arrondissement, en novembre 2002, avec une mise en scène de Anne-Julie Boitreaud et Raphaëlle Jarry, et une très belle affiche composée de matriochkas.
La célébration du centenaire de la mort de Tchékhov fournit l'occasion de la dernière mise en scène très remarquée en France, qui est celle réalisée par Piotr Fomenko, en langue russe, surtitré en français. La critique théâtrale du journal l'Humanité évoque cette création dès le 15 mars 2004, et en reparle le 8 novembre 2004 au moment de sa présentation au Théâtre de Chaillot. Deux sites russes en français commentent également cette représentation : russomania.com et russie.tv. 
Plusieurs productions filmiques, notamment de tables de lecture, ont été réalisées par Jean-Marie Châtelier autour de cette mise en scène des Trois Sœurs (co-produites par le Festival Théâtre en région Haute-Normandie, elles sont disponibles sur demande par couriel à la troupe du Volcan). Et des photos peuvent par ailleurs être visualisées sur le site europalia.eu.
En avril 2005, au Théâtre de Sceaux, c'est le metteur en scène britannique d'origine irlandaise Declan Donnellan qui s'attaque à cette pièce. Le Nouvel Observateur du 20 avril 2005 écrit que "sa mise en scène limpide, minutieuse, installe immédiatement chaque personnage dans son espace propre. Un travail magistral qui exalte l'ambiguïté de Tchekhov, ce génie de l'imperceptible. Le spectacle est donné en russe sous-titré avec des acteurs d'une merveilleuse justesse de ton."
Au Canada, le souvenir de la version très contemporaine présentée au Théâtre du Trident à Québec, en mars 2002, dans une mise en scène de Wajdi Mouawad demeure encore très vivace. Une tournée est organisée en France en 2003, puis une reprise au Théâtre français du Centre national des Arts à Ottawa en 2004, puis au Théâtre du nouveau monde en 2005.
Pour cette mise en scène, Wajdi Mouawad utilise la version d’Anne-Catherine Lebeau et d’Amélie Brault, première traduction des "Trois Sœurs" directement rédigée du russe au français québécois.En Suisse, en décembre 2005, la Compagnie Gianni Schneider présente la pièce à Vevey, puis La Chaux-de-Fonds et Bâle. Et les spectateurs de Marseille peuvent la voir en mars 2006 au Théâtre Toursky dans une mise en scène de Iouri Klepikov et Vladimir Iatchmenev, puis en octobre de la même année au Gyptis Théâtre dans une mise en scène d’Ivan Romeuf: photo ci-après...
Les Trois sœurs ont également inspiré récemment un spectacle de jazz, et surtout un Opéra du Hongrois Peter Eötvös créé le 13 mars 1998 à l'Opéra National de Lyon. Il a été enregistré par ARTE le 10 novembre 2001 lors d’une représentation au Théâtre du Châtelet à Paris.Il convient également de signaler que « Les trois sœurs » seront montées sous la forme d’un spectacle de marionnettes, dans le cadre d’un stage à venir proposé par trois scénographes russes Mikail Yaremtchuk, Galina Nicolaevna Molotova et Vladimir Viktorovitch Cantor, qui se déroule en région parisienne du 2 avril au 4 mai 2007.
BE
15:56 Publié dans 7. Les trois soeurs | Lien permanent | Commentaires (0) | Envoyer cette note
La Mouette, mise en scène par Anne Bourgeois, au Théâtre 14 Jean-Marie Serreau à Paris, du 29 mai au 14 juillet 2007
Cette pièce sera à l’affiche du Théâtre 14 Jean-Marie Serreau à Paris, du 29 mai au 14 juillet 2007, dans une mise en scène de Anne Bourgeois, avec les acteurs des Compagnies Panache et du Théâtre du Monde (20, avenue Marc Sangnier, 75014 Paris, Location : 01 45 45 49 77, télécopie : 01 40 44 52 01, courriel ).
J'avais admiré cette mise en scène dans la cour des Grandes Ecuries de Versailles, le dimanche 26 juin 2005, dans le cadre du mois Molière, alors que le soleil descendait sur l’horizon…, avant qu'elle soit présentée au Festival OFF d'Avignon, du 8 au 30 juillet 2005.
Le jeu d'Antonia MALINOVA – Arkadina, d’Ariane ZANTAIN - Nina, et Domitille BIORET - Macha, qui jouent les trois principaux rôles féminins, est tout particulièrement remarquable, comme celui des autres acteurs. Des musiques russes à la guitare, très mélancoliques, chantées par Oleg PONOMARENKO, rythment cette pièce de près de trois heures. Les réflexions philosophiques et métaphysiques de ce texte tourmenté de TCHEKHOV rédigé en 1896, s'égrenaient ainsi avec une résonance si profonde.
BE
15:52 Publié dans 5. La Mouette | Lien permanent | Commentaires (0) | Envoyer cette note
La Mouette, de Árpád Schilling, à la Comédie de Valence, du 10 au 12 mai 2007
La Mouette, du 10 au 12 mai 2007, dans une mise en scène de Árpád Schilling, à la Comédie de Valence (Le Bel Image, Comédie de Valence - Centre dramatique national Drôme Ardèche - Place Charles Huguenel, 26000 Valence).
La mouette (Siraj), , mise en scène par Árpád Schilling, est jouée par la compagnie Krétakor de Budapest, en hongrois avec traduction simultanée, avec Irina Nikolaevna Arkadina, une actrice, Eszter Csákányi; Pjotr Nikolaevitch Sorin, son frère, József Gyabronka; Konstantin Gavrilovitch Treplev, son fils, Zsolt Nagy; Nina Saretchnaya, une jeune fille, Annamária Láng; Boris Trigorin, un écrivain, Tilo Werner; Evgeni Sergeevitch Dorn, un médecin, Sándor Terhes; Shamraev, un propriétaire, Péter Scherer; Polina Andreevna, sa seconde femme, Borbála Péterfy; Masha, sa fille, Lilla Sárosdi; Medvedenko, un professeur, László Katona.
Né à Ceglèd en 1974, Arpád Schilling a commencé le théâtre à dix-sept ans, il a très vite abandonné le jeu pour la mise en scène. Après avoir commencé une formation à l'Ecole supérieure des arts dramatiques de Budapest, il fonde Krétakör en 1995. Durant ses études, il continue à travailler avec sa compagnie et signe les mises en scène d'Ennemi Public d'István Tasnádi en 1999, La Maison de Bernarda Alba de Lorca en 2000. Il monte également Platonov de Tchekhov avec les élèves du Théâtre National de Strasbourg. Le plus important spectacle de Krékatör à cette période est Baal de Brecht (1998), cette création l'a fait découvrir internationalement. En 2000 à la fin de ses études, Arpád Schilling et Maté Gáspár établissent Krékatör comme compagnie permanente avec une équipe d'acteurs et de techniciens, ils produisent deux à trois spectacles par an. Après Nexxt Megszállottak (Fanatiques !) d'après Miller, Liliom de Molnár et Léonce et Léna de Büchner, il monte W.-le cirque des travailleurs d'après Woyzeck. Tous ces spectacles ont été joués à la MC93. En septembre 2002 à la MC93, il crée Hazám, Hazám (Pays, mon cher pays) qui s'inspire de La Mort de Danton. En décembre 2002, il met en scène La Nuit de Walpurgis avec les comédiens de la Schaubühne et Richard III de Shakespeare au Piccolo de Milan. En octobre 2003, il crée à Budapest La Mouette de Tchekhov, qui reçoit de nombreux prix et qui est jouée dans de nombreux pays européens. En 2004, il crée Le Misanthrope de Molière et la création collective Blackland, présentée à la MC93 en avril 2005. En 2005, il dirige un stage sur Hamlet de Shakespeare au Burgtheater de Vienne et monte Phèdre texte écrit par István Tasnádi, produite et jouée au Salzburger Festwochen puis à Zürich, Stuttgart, Berlin et Budapest. Il a réalisé trois films Nexxt (2001), Sans commentaire (2003) et Au-delà de la frontière présenté au Festival de Venise. Il a reçu de nombreux prix pour ses créations et notamment le prestigieux Prix Stanislawski à Moscou en décembre 2005
Il y a dix ans, Arpád Schilling a réuni quelques personnes et, par un travail d'équipe intensif, a mis en scène le roman de Jean Cocteau, Les enfants terribles. Ce travail, dont le résultat fut le spectacle intitulé Le Grand jeu est considéré comme le départ de Krétakör. Krétakör signifie "le cercle de craie" en référence à la pièce de Brecht. Mais ce nom est surtout choisi pour les symboles qu'il représente. "Le cercle trace un cadre à l"intérieur duquel les gens se rassemblent. La craie évoque le caractère éphémère et éternel du théâtre. Un cercle dessiné avec de la craie peut être très facilement effacé. Mais il peut toujours être retracé ailleurs." Krétakör a conservé jusqu'à ce jour cette mobilité de la pensée et de la forme, même s'il est devenu une compagnie permanente disposant d'un répertoire de plus en plus large. Fruit de dix ans de travail, cette troupe jadis dite "alternative", composée au départ d'une poignée d'acteurs débutants, a réussi aujourd'hui à se hisser au premier rang de la scène théâtrale européenne. Récompensée en 2004 par les prix hongrois les plus prestigieux, la compagnie est devenue au cours de ces dernières années le premier représentant à l'étranger de l'art dramatique hongrois.
Cette représentation a été saluée par la critique lors de sa programmation en janvier 2006 à la salle de répétition de la MC 93 de Bobigny, dans le cadre de la 3ème édition du Festival Le Standard Idéal : «La Mouette fait feu sans artifice",de René SOLIS, dans le journal Libération du 23 janvier 2006.
La mouette (Siraj), , mise en scène par Árpád Schilling, est jouée par la compagnie Krétakor de Budapest, en hongrois avec traduction simultanée, avec Irina Nikolaevna Arkadina, une actrice, Eszter Csákányi; Pjotr Nikolaevitch Sorin, son frère, József Gyabronka; Konstantin Gavrilovitch Treplev, son fils, Zsolt Nagy; Nina Saretchnaya, une jeune fille, Annamária Láng; Boris Trigorin, un écrivain, Tilo Werner; Evgeni Sergeevitch Dorn, un médecin, Sándor Terhes; Shamraev, un propriétaire, Péter Scherer; Polina Andreevna, sa seconde femme, Borbála Péterfy; Masha, sa fille, Lilla Sárosdi; Medvedenko, un professeur, László Katona.
Né à Ceglèd en 1974, Arpád Schilling a commencé le théâtre à dix-sept ans, il a très vite abandonné le jeu pour la mise en scène. Après avoir commencé une formation à l'Ecole supérieure des arts dramatiques de Budapest, il fonde Krétakör en 1995. Durant ses études, il continue à travailler avec sa compagnie et signe les mises en scène d'Ennemi Public d'István Tasnádi en 1999, La Maison de Bernarda Alba de Lorca en 2000. Il monte également Platonov de Tchekhov avec les élèves du Théâtre National de Strasbourg. Le plus important spectacle de Krékatör à cette période est Baal de Brecht (1998), cette création l'a fait découvrir internationalement. En 2000 à la fin de ses études, Arpád Schilling et Maté Gáspár établissent Krékatör comme compagnie permanente avec une équipe d'acteurs et de techniciens, ils produisent deux à trois spectacles par an. Après Nexxt Megszállottak (Fanatiques !) d'après Miller, Liliom de Molnár et Léonce et Léna de Büchner, il monte W.-le cirque des travailleurs d'après Woyzeck. Tous ces spectacles ont été joués à la MC93. En septembre 2002 à la MC93, il crée Hazám, Hazám (Pays, mon cher pays) qui s'inspire de La Mort de Danton. En décembre 2002, il met en scène La Nuit de Walpurgis avec les comédiens de la Schaubühne et Richard III de Shakespeare au Piccolo de Milan. En octobre 2003, il crée à Budapest La Mouette de Tchekhov, qui reçoit de nombreux prix et qui est jouée dans de nombreux pays européens. En 2004, il crée Le Misanthrope de Molière et la création collective Blackland, présentée à la MC93 en avril 2005. En 2005, il dirige un stage sur Hamlet de Shakespeare au Burgtheater de Vienne et monte Phèdre texte écrit par István Tasnádi, produite et jouée au Salzburger Festwochen puis à Zürich, Stuttgart, Berlin et Budapest. Il a réalisé trois films Nexxt (2001), Sans commentaire (2003) et Au-delà de la frontière présenté au Festival de Venise. Il a reçu de nombreux prix pour ses créations et notamment le prestigieux Prix Stanislawski à Moscou en décembre 2005
Il y a dix ans, Arpád Schilling a réuni quelques personnes et, par un travail d'équipe intensif, a mis en scène le roman de Jean Cocteau, Les enfants terribles. Ce travail, dont le résultat fut le spectacle intitulé Le Grand jeu est considéré comme le départ de Krétakör. Krétakör signifie "le cercle de craie" en référence à la pièce de Brecht. Mais ce nom est surtout choisi pour les symboles qu'il représente. "Le cercle trace un cadre à l"intérieur duquel les gens se rassemblent. La craie évoque le caractère éphémère et éternel du théâtre. Un cercle dessiné avec de la craie peut être très facilement effacé. Mais il peut toujours être retracé ailleurs." Krétakör a conservé jusqu'à ce jour cette mobilité de la pensée et de la forme, même s'il est devenu une compagnie permanente disposant d'un répertoire de plus en plus large. Fruit de dix ans de travail, cette troupe jadis dite "alternative", composée au départ d'une poignée d'acteurs débutants, a réussi aujourd'hui à se hisser au premier rang de la scène théâtrale européenne. Récompensée en 2004 par les prix hongrois les plus prestigieux, la compagnie est devenue au cours de ces dernières années le premier représentant à l'étranger de l'art dramatique hongrois.
Cette représentation a été saluée par la critique lors de sa programmation en janvier 2006 à la salle de répétition de la MC 93 de Bobigny, dans le cadre de la 3ème édition du Festival Le Standard Idéal : «La Mouette fait feu sans artifice",de René SOLIS, dans le journal Libération du 23 janvier 2006.
15:50 Publié dans 5. La Mouette | Lien permanent | Commentaires (0) | Envoyer cette note